Wer die grandiose Weltmeisterschaft noch einmal Revue passieren lassen will und alle Emotionen, die Spannung und die Freude noch einmal erleben möchte, sollte sich "Die Mannschaft" nicht entgehen lassen.

Kinostart: 13. November 2014

Produzenten: Martin Christ, Jens Gronheld, Ulrich Vogt

Länge: 90 Minuten

Eine lustige Teenagerkomödie, die einem die eigenen Probleme als Jugendlicher erneut ins Gedächtnis ruft. Fans von anspruchsvollem Kino können sich diesen Film jedoch ohne schlechtes Gewissen entgehen lassen. Bei vielen Szenen möchte man sich einfach nur die Hände gegen den Kopf schlagen, aufgrund übertriebener Dummheit seitens der Charaktere und der Story, die ein wenig an American Pie erinnert. Dennoch ist Doktorspiele eine gelungene Sommerkomödie, die Zuschauer jeden Alters garantiert zum Lachen bringt.

Lucy, eine amerikanische Austauschstudentin in Taiwan, wird von ihrem Freund Richard gezwungen, einen ominösen Koffer zu übergeben. Der Deal geht schief, und Lucy gerät in die Gefangenschaft einer skurrilen Organisation, bei der ihr operativ ein Drogenbeutel eingesetzt wird, den sie so über die Grenze nach Europa schmuggeln soll. Auf dem Weg zum Flughafen reißt dieser Beutel allerdings auf und die neuartige synthetische Droge (CPH4) beginnt sich in ihrem Organismus zu verteilen. Sofort entwickelt Lucy außergewöhnliche Fähigkeiten. Ihre Gehirnauslastung steigt langsam von 10% in Richtung 100%, mit unglaublichen Auswirkungen. Mit dem Fortschreiten von Lucys "Mutation" kann sie andere Menschen und Gegenstände sowie Raum und Zeit kontrollieren. Ihre telepathischen und telekinetischen Fähigkeiten entwickeln sich immer weiter. Hilfe sucht sie bei dem Wissenschaftler Professor Norman, der sich seit geraumer Zeit mit der Leistungsfähigkeit des menschlichen Gehirns auseinandersetzt.

Fakt ist, dass Lucy das Publikum spalten wird. Entweder man ist fassungslos aufgrund der proportional zu Lucys Gehirnleistung steigenden Skurrilität des Films, oder man lässt sich auf die übertriebenen Fähigkeiten von Lucy und den leicht mitschwingenden philosophischen Unterton ein. Letzterer kommt nur durch das herausragenden schauspielerische Talent von Scarlett Johansson zustande. Angelehnt ist die Story an den Film Ohne Limit (2011, u.a. mit Bradley Cooper), kommt aber nicht ansatzweise an dessen Qualität heran. Ein Grundfazit des Films: Kann man 20% seines Gehirns nutzen, brauche ich nie wieder zum Friseur.

Regie: Luc Besson

Darsteller: Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Choi Min-sik

Dauer: 90 Minuten

Erscheinungsdatum: 14.08.2014

Während eines Expeditionsausfluges von Forschern treffen Menschen und Affen zum ersten Mal aufeinander. Mit dem Wiederauftauchen der ungebetenen Gäste, die zwecks Stromerzeugung auf der Suche nach einem Staudamm sind, entwickelt sich ein entscheidender Konflikt: Können Affen und Menschen einander vertrauen? Und, wichtiger noch: Können beide Spezies überhaupt sicher sein, dass die jeweils eigene prinzipiell vertrauenswürdiger ist? Malcolm und seine Freundin Ellie merken schnell, dass die Affen das gleiche tun, wie die Menschen: Sie schützen ihre Familie, Heimat und die gewonnene Freiheit. Der Affe Cesar, aufgezogen von Menschen, sympathisiert noch immer mit ihnen und gestattet ihnen, auf Affenterritorium ihre Arbeit zu erledigen. Es gibt jedoch sowohl auf der Menschen- als auch auf der Affenseite misstrauische Individuen, die ein Zusammenleben mit der anderen Art nicht befürworten. Viele Menschen geben den Affen die Schuld für das ausgebrochene Virus und die darauf folgende Auslöschung ihrer Familien. Einige aus dem Labor ausgebrochene Affen, die jahrelang von den Menschen misshandelt und zu Versuchszwecken missbraucht wurden, befürchten einen Angriff auf ihr Zuhause. Wie der Titel des Films bereits verrät, kommt es zu einer Revolution. Affen gegen Menschen, Menschen gegen Menschen und Affen gegen Affen.

Das Ende des Films ist vorhersehbar, da es sich wie bei dem Vorgänger Prevolution um die Vorgeschichte des ersten Planet der Affen- Films handelt. Dennoch beeindruckt der Film mit visuellen Effekten, den sehenswerten aber grotesken Actionszenen und der herausragenden Umsetzung bei der Vermenschlichung der Affen. Obwohl einige Szenen etwas aus der Luft gegriffen scheinen, ist Planet der Affen - Revolution eine weitere sehr gelungene Verfilmung aus der Planet der Affen- Reihe.

Den Zuschauer erwartet ein interessanter Denkanstoß über die Erkenntnis, wie ähnlich Menschen und Menschenaffen sich in Wahrheit sind.

Darsteller: Andy Serkis, Gary Oldman, Jason Clarke, Keri Russell

Länge: 131 Minuten

FSK: ab 12 Jahre

Kinostart: 07.08.2014

Im Zukunftsjahr 2033 machen wandlungsfähige Roboter jagt auf alle Mutanten. Eine kleine Gruppe der X-Men, darunter Professor X, Magneto, Ice-Man, Kitty, Storm und Wolverine, versuchen die Angriffe der Roboter abzuwehren: Kitty (Shadowcat) benutzt ihre Kraft, den Geist von Wolverine in die Vergangenheit zu schicken. Er kehrt ins Jahr 1973 zurück, um die Ermordung des Erfinders der Roboter durch die Gestaltwandlerin Mystique zu verhindern. Durch ihre Gefangennahme lieferte sie mit ihrer DNS den wichtigen Baustein der Roboter, ihre Anpassbarkeit an die verschiedenen Mutantenfähigkeiten. Nur Wolverines Psyche kann diese lange Zeitreise überstehen, ohne zu zerbrechen. Ihm muss es gelingen den verbitterten und zurückgezogenen Charles Xavier (Professor X) und den inhaftierten Eric Lehnsherr (Magneto) dazu zu bringen mit ihm zusammenzuarbeiten um Mystique aufzuhalten und die Zukunft zu verändern.

Tausende Marvel-Fans fieberten der Premiere entgegen - und wurden nicht enttäuscht. Auch der obligatorische Nachspann nach dem Abspann übertraf alle Erwartungen. (Also: sitzen bleiben und warten, es lohnt sich!) Bereits jetzt steigt die Vorfreude auf den nächsten geplanten Film, der Ende 2016 in die Kinos kommen soll.

Anschauen sollte man sich die Comic-Verfilmung allerdings nur, wenn gewisse Vorkenntnisse vorhanden sind, sonst ergibt weder die Story noch die wirklich gut eingearbeiteten Insider für den Zuschauer einen Sinn.

X-Men: Zukunft ist Vergangenheit. USA 2014. Regie: DarstellerInnen: Hugh Jackman, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Ian McKellen, James McAvoy, Peter Dinklage

Die Storyline ist leider etwas vorhersehbar und das Tanztalent des viel gefeierten Carlos Acosta, der die Heldenrolle übernimmt, kommt leider etwas zu kurz. Doch trotz dem, einer nur mäßigen Synchronisation und der Gefahr, dass so manch einem der angespannte Charakter der Aktivistin Rosa auf die Nerven gehen könnte, ist dem Regisseur John Roberts mit ¡Hasta la Vista, Sister! ein unterhaltsamer Sommerfilm gelungen, der in das spannende Leben Kubas einführt. Positiv überrascht Charity Wakefield als Ailie, die ihre Rolle der oberflächigen kleinen Schwester gelungen zum charmantesten Charakter des Films verwandelt.

Trotz kleiner Kritikpunkte lohnt sich also der Gang ins Kino, wenn die Abende hier schon wieder kühler werden.

¡Hasta la Vista, Sister! Großbritannien 2012. Regie: John Roberts. DarstellerInnen: Eva Birthistle, Charity Wakefield, Carlos Acosta, u.a. Kinostart: 29. August 2013.

Mit Django Unchained dreht Kultregisseur Quentin Tarantino eine Hommage an den Italo Western der 60er Jahre und bleibt dabei seinem Stil treu. Wer die anderen Werke des Amerikaners kennt, der wird von »Django Unchained« also nicht überrascht sein. Wie schon bei seinen Filmen Inglorious Basterds und Kill Bill wechseln sich auch hier intelligente Dialoge und coole Sprüche mit wahren Explosionen aus Blut und Gewalt ab. So hebt sich der Western angenehm vom üblichen Hollywood Einheitsbrei ab, ist aber gleichzeitig auch nicht für zart besaitete. Neben einer vielfältigen Auswahl an Musik, die von 2Pac bis zu Johnny Cash reicht, hat sich Tarantino eine ganze Armada von berühmten SchauspielerInnen an Bord geholt, um seinen Western zu erzählen. Egal ob Jamie Fox als Django, der immer einen lässigen Spruch auf den Lippen hat, Christopher Walz in der Rolle des deutschen Kopfgeldjägers oder Leonardo Di Caprio als rassistischer Plantagenbesitzer: Django Unchained ist auf allen Positionen hervorragend besetzt. Für Tarantino- und Westernfans ist der Film Pflicht, aber auch allen anderen kann man Django Unchained nur empfehlen.

Auch im letzten Teil seiner Paradies-Trilogie zeigt Regisseur Ulrich Seidl in schonungslosen Bildern das Scheitern seiner zutiefst verunsicherten Protagonistin auf, die trotz allen Widrigkeiten auf die Erfüllung ihrer Sehnsüchte hofft. Die ernst genommen, akzeptiert und geliebt werden will, auch wenn sie nicht dem gängigen Schönheitsideal entspricht. Träume, die scheitern müssen in einer Gesellschaft, in der jedes Herausfallen aus der Norm streng bestraft wird.

Paradies: Liebe bildet den Auftakt einer geplanten Trilogie von Ulrich Seidl, der seinen ZuschauerInnen einiges abverlangt. Angewidert beobachtet man die Szenen, in denen junge Beach Boys weißen Frauen am Strand ihre Liebesdienste anbieten. Letzten Endes wird Teresa jedoch aus ihrem Paradies vertrieben, denn dort ist kein Platz für Liebe und nur eine Währung zählt: Geld.

Peter Jackson zieht auch im ersten Teil der Hobbit Trilogie alle Register, um die Fantasywelt von J.R.R. Tolkien zum Leben zu erwecken. Die unberührte Naturkulisse Neuseelands und die grandiose Musik entwickeln eine Faszination, der man sich nur schwer entziehen kann. Der Brite Martin Freeman ist wie geschaffen für die Rolle des unerfahrenen aber abenteuerlustigen Hobbits Bilbo und auch die anderen SchauspielerInnen erfüllen ihre Aufgabe mit Bravour. Vor allem die Zwerge sorgen für den ein oder anderen lustigen Moment. Der Grundton des Films bleibt aber eher düster und die erbitterten Kämpfe lassen den ZuschauerInnen besonders zum Ende hin kaum Zeit zum Durchatmen. Kritisieren kann man an dem Film eigentlich nur die Tatsache, dass er dem Hollywoodtrend folgt und in 3D in die Kinos kommt, denn auf die nur mäßigen Effekte könnte man getrost verzichten. Ansonsten ist Der Hobbit: Eine unerwartete Reise ein unglaublich beeindruckender und spannender Film, der über zweieinhalb Stunden bestens unterhält und sich nicht hinter den "Herr der Ringe"- Filmen zu verstecken braucht.

Doch zurück zum Anfang: Der Film beginnt mit dem erwachsenen Pi, der einem Schriftsteller seine Lebensgeschichte erzählt. Pi berichtet von seiner Kindheit im indischen Pondicherry, wo seine Familie einen kleinen Zoo betrieb, bis der Vater beschloss gemeinsam mit den Tieren nach Kanada auszuwandern. Dazu organisiert der Vater die Überfahrt auf einem großen Frachter. Die Reise in ein neues Leben endet jedoch in der Katastrophe. Während eines Sturms sinkt das Schiff und nur der 17-jährige Pi kann sich in ein Beiboot retten. Zu seiner Überraschung ist er nicht allein. Im Rumpf des Schiffes hat sich ein bengalischer Tiger versteckt.

Pis faszinierende Reise beginnt. Geprägt von gegenseitiger Furcht, von Respekt und dem Gefühl, einander zu brauchen, erleben Tiger und Mensch Hunger und Durst, sind den Gefahren des Meeres und einander ausgesetzt.

"Life of Pi. Schiffbruch mit Tiger" ist ein bewegender Film mit beeindruckenden Landschaftsaufnahmen und packenden Effekten. Regisseur Ang Lee gelang es den bekannten Roman von Yann Martel, der lange Zeit als unverfilmbar galt, eindrucksvoll in Szene zu setzen. Bemerkenswert ist vor allem die gelungene technische Umsetzung. Besonders in 3D erscheinen die Animation der Tiere und die Naturaufnahmen sehr effektvoll. Die Tiere wirken natürlich und auch bei der Besetzung der SchauspielerInnen setzte Regisseur Ang Lee auf Authentizität. Der 19jährige indische Nachwuchsschauspieler Suraj Sharma überzeugt in der Rolle des Pi Patels.

Regisseur Rémi Bezançon begeg­net dem Thema Mutterglück in philosophischer Manier und zeigt dabei den inneren Konflikt einer Frau auf, die in der Gesellschaft die glückliche Mutter mimen soll, während ihr Leben und ihre Beziehung im Chaos versinken.

Teilweise wirkt der Film dabei ein wenig platt, etwa wenn Barbara gegen Ende des Films in einem Moment tiefster Verzweiflung einen Roman über ihre Geschichte verfasst. Das mag daran liegen, dass dem Film eine Romanvorlage zugrunde liegt, welche die Biographie der Autorin widerspiegelt. Der Film rührt an ein wenig thematisiertes Tabu: dass Mutterschaft nicht ausschließlich eine wundervolle Angelegenheit ist.

Die Verfilmung der Romanvorlage von Jack Kerouac inszeniert die Unentschlossenheit und den Lebenshunger der Beat-Generation, die nicht weiß, wo sie hingehört. Sex, Drugs und Jazz ziehen sich durch den gesamten Film. Die Reise der ProtagonistInnen ist von einer langatmigen Stimmung geprägt, die sich in der Musik des zweifachen Oscarpreisträgers Gustavo Santaolalla wiederfindet.

Die bekannten HollywoodschauspielerInnen, Viggo Mortensen und Kirsten Dunst, halten sich als Nebenfiguren eher im Hintergrund. Mit Garrett Hedlund, Sam Riley und Kristen Stewart setzt Regisseur Walter Salles auf junge, aber nicht unbekannte Talente. Durch die glaubwürdige Darstellung der SchauspielerInnen wird der Film zu einer authentischen Reise durch das Amerika der Fünzigerjahre.

Markus Imhoof, selbst Sprössling einer Imkerfamilie, versucht dem mysteriösen Sterben auf die Spur zu kommen. In seinem Dokumentarfilm teilen sich aufwändige Nahaufnahmen der Bienen die Leinwand mit BienenforscherInnen, KöniginnenzüchterInnen und ImkerInnen. Darunter Fred Jaggi, der hoch oben in den Schweizer Alpen Honig herstellt. Dort sind seine Bienen zwar keinen Pestiziden ausgesetzt, trotzdem muss auch er dabei zusehen, wie viele seiner Bienen sterben. Imhoofs Reise führt auch zu den riesigen Mandelplantagen Kaliforniens zu dem Großimker John Miller. Dessen Trucks karren 15 000 Schwärme quer durch die USA, immer dahin, wo gerade Blüte ist. Doch obwohl Miller bereits massiv Antibiotika einsetzt, sterben Tausende seiner Bienen.

Eine einfache Antwort auf die Frage nach dem Grund für das Bienensterben findet der Film nicht. Pestizide, Parasiten und andere Auswirkungen der systematischen Vereinnahmung der Natur spielen zusammen. Eine einfache Lösung, so gern man sie als ZuschauerIn präsentiert bekäme, gibt es daher leider auch nicht.

Im Dokumentarfilm Speed - Auf der Suche nach der verlorenen Zeit macht sich Regisseur Florian Opitz auf den Weg, um herauszufinden, wo unsere Zeit geblieben ist. Er führt seine ZuschauerInnen von Berlin ins ferne Bhutan, wo die Zeit Teil des Bruttonationalglücks ist. Über experimentelle Langsamkeitsprojekte in Patagonien geht es bis zum Zentrum des Finanzmarkts nach London, um die verschiedenen Spielarten der Zeit zu entdecken.

Die ZuschauerInnen begegnen mit dem Regisseur vielen ExpertInnen, die sich mit dem Thema Zeitmanagement beschäftigen. Eine besonders wichtige Rolle spielt Professor Hartmut Rosa, dessen Buch Beschleunigung - wie der Regisseur in der Pressekonferenz erklärte - den entscheidenden Anstoß für den Film gab. Rosas These ist, dass Beschleunigung ein gesamtgesellschaftliches Phänomen ist. Opitz versucht im Film, diese These zu überprüfen. Wer zwingt uns, immer schneller zu werden? Gibt es konkrete Möglichkeiten, aus diesem Hamsterrad auszusteigen?

Auf seiner Reise durch die Welt begegnet Opitz Menschen, welche die Beschleunigung vorantreiben und solche, die versuchen, konkrete Alternativen zu denken und zu leben. Die "Zeit ist Geld"-Logik und die alternativen Wege der Entschleunigung werden kraftvoll porträtiert. Besonders zu genießen sind der Humor und die Ehrlichkeit des Regisseurs, der gleichzeitig als Protagonist seine Erfahrungen teilt. Die kontrastierenden Szenarien, die Qualität der Bilder und die vielfältigen GesprächspartnerInnen beeindrucken. In dieser Reflexion über das Tempo unseres Lebens spielt das stetig wechselnde Tempo des Filmes selbst eine wichtige Rolle. Die Suche selbst ist das Verdienst dieser besonderen Reise - sie ist vielleicht wichtiger als eine eindeutige Lösung des Zeitproblems. Proust, dessen berühmter Roman dem Film seinen Namen leiht, hätte das bestimmt hoch geschätzt.

Der Film beginnt, als eine Mission Bonds auf fatale Weise schief läuft. Als eine Reihe von verdeckt arbeitenden Agenten auf der ganzen Welt enttarnt werden, sieht sich der britische Auslandsgeheimdienst MI6 einem brutalen terroristischen Angriff ausgesetzt. Dies hat zur Folge, dass Ms Position von ihrem neuen Vorgesetzten in Frage gestellt wird. Weil der MI6 nunmehr von innen und außen unter Beschuss gerät, kann M nur noch auf einen letzten verbliebenen Verbündeten zählen: Bond. Dieser muss die Angreifer des MI6 unschädlich machen. Sein Widersacher, der von Javier Bardem gespielte Silva, hat dabei eine interessante Verbindung zu Bond, wodurch der Kampf der beiden bis zum dramatischen Finale spannend bleibt.

Wer jedoch erwartet, dass James Bond in Skyfall neu erfunden wird, dürfte wohl enttäuscht den Kinosaal verlassen, denn Bond ist nun mal Bond und bleibt auch Bond. Natürlich ist es bei jedem Bond-Film bisher so gewesen, dass er vom jeweiligen Regisseur geformt und gestaltet wurde. In Skyfall führte der Oscar-Preisträger Sam Mendes Regie, dem von Anfang an bewusst war, dass der 23. Bond-Film im Jahr 2012 Jubiläum feiern würde. Deshalb sollte die neueste Folge der am längsten existierenden Filmreihe der Kinogeschichte auch all das bieten, was Bond immer schon zu Bond gemacht hat: todesverachtende Action, schillernde Schurken, bildschöne Bond-Girls, exotische Schauplätze, unwiderstehliche Musik, der Aston Martin DB5... und natürlich 007 höchstpersönlich. All diese Elemente fügen sich zusammen wie Gin und Vermouth - geschüttelt, nicht gerührt.

Jaafar hat ohnehin meistens Pech im Leben. Selten bringt er Geld nach Hause zu seiner Frau, fängt höchstens mal ein paar Sardinen. Zu seinem alltäglichen Leid gesellt sich also jetzt ein Schwein, das er unbedingt wieder loswerden muss. Er schöpft Hoffnung, als er erfährt, dass eine jüdische Siedlerin in der Nähe Schweine züchtet. Durch den Zaun schließen die beiden einen Deal: Schweine-Sperma für Yelenas Säue gegen Geld. Doch es dauert nicht lange, bis die Islamisten von der Sache Wind bekommen. Um nicht als Kollaborateur dazustehen, behauptet Jaafar, dass er geplant habe, mit dem Schwein einen Sprengstoffanschlag zu starten. Die Islamisten verlangen von ihm, dass er die Sache durchzieht, und zwar als »echter« Märtyrer.

Während sich die Handlung der Katastrophe zu nähern scheint, findet Jaafars Naivität kein Ende. Mal ist er den israelischen Soldaten ausgeliefert, mal den Islamisten. Doch je absurder das Pech des Fischers, desto deutlicher wird, dass der Regisseur Sylvain Estibal hier eine Fabel auf die Leinwand bringen wollte. Und so passt auch das sehr poetisch anmutende und damit aus der Reihe fallende Ende ins Ganze. Zwar keimt hier Hoffnung auf, aber gleichzeitig bleibt sie in einem unwirklichen Traum gefangen.

Das Schwein von Gaza handelt vom israelisch-palästinensischen Konflikt, schlägt sich aber nicht auf eine der beiden Seiten. Vielmehr bleibt der Film auf der Seite derer, die in diesen Bedingungen gefangen sind.

Kryptisch mutet das Gespräch mit seiner Cheftheoretikerin an, die in seinem Auftrag über Geld sinniert. Pa­ckers pseudophilosophische Fragen irritieren: »Woher weißt du, dass du hier im Auto bist und nicht im Büro?« Trotzdem bleibt es interessant. Je mehr sich Packer bei aller Arroganz und emotionaler Glätte in seine Sehnsucht nach dem Absturz hineinsteigert, desto sehnlicher warten die ZuschauerInnen auf seinen Ausbruch. Und während die Occupy-Protestler­Innen seine Umgebung in Schutt und Asche legen, sehen wir seinen Amoklauf nahen.

Die Kamerabilder, die Rom in ein wunderbares Licht rücken, sind bemerkenswert und vergleichbar mit der Darstellung von Paris in Midnight in Paris. Bestätigt wird das außergewöhnliche schauspielerische Talent des brillanten und charismatischen Roberto Benigni. Leider verlieren die stereotypen und fast immer vorhersehbaren Abenteuer ihren Charme, da sie zumeist auf einer übertriebenen und vorurteilsbehafteten Vorstellung der Dolce Vita basieren.

To Rome with Love. Spanien/USA/Italien 2012. Regie: Woody Allen. DarstellerInnen: Woody Allen, Ellen Page, Penelope Cruz, Alec Baldwin, u.a. Kinostart: 30. August.

Denn dieses Schneewittchen wartet nicht in einem Glassarg darauf, dass ein Prinz sie erlöst. Allein im Wald ausgesetzt, schwingt sie sich zur Anführerin einer Räuberbande auf. Die sieben Zwerge, aus der Dorfgemeinschaft ausgeschlossen, erbeuten sich ihren Lebensunterhalt als Diebe. Damit ist Schneewittchen natürlich nicht einverstanden, lässt sich jedoch die Kniffe und Kampftechniken der Räuber beibringen. So bezwingt sie die Königin, erobert ihr Reich zurück und befreit das Volk.

Und der Prinz? Den befreit sie schon bei ihrer ersten Begegnung aus einer peinlichen Lage. Der Funke springt über, trotz dessen leicht arroganter und dümmlicher Art. Und schließlich kommt es auch zum Märchenkuss: Allerdings, wie könnte es anders sein, unter ungewöhnlichen Umständen.

Spieglein, Spieglein - die wirklich wahre Geschichte von Schneewittchen. USA 2012. Regie: Tarsem Singh. DarstellerInnen: Julia Roberts, Lily Collins, Armie Hammer u.a. Kinostart: 5. April.

Wladimir, dargestellt von Matthias Schweighöfer, und seine beiden besten Freunde verwirklichen sich also im Kapitalismus. Mischa will Musiker werden und Andrej Geschäftsmann. Er fängt mit Dosenbier an. Wladimir ist überaus zufrieden damit, seinen Freunden bei ihrer Selbstverwirklich­ung zu helfen. Nebenbei findet er die Frau seines Lebens und macht Mischa zu einem Juden, damit er ebenfalls unbefristet in Deutschland bleiben darf. Ansonsten verkörpert er Unbeschwertheit und gute Laune, wobei er eher zufällig den Sinn des eigenen Lebens findet. Bekannt charmant besticht Schweighöfer mal wieder in einer lustig-romantischen Rolle. Einen besonderen ästhetischen Reiz bekommt die Filmversion von Russendisko durch die in mehreren Sequenzen unterlegten wunderbaren Animationen von Alla Churikova.

Russendisko. Deutschland 2012. Regie: Oliver Ziegenbalg. DarstellerInnen: Matthias Schweighöfer, Friedrich Mücke, Christian Friedel, u.a. Kinostart: 29. März.

Der Film beleuchtet sehr vielschichtig die Probleme der Schulleitung durch den Verlust der Kollegin, die Trauerarbeit der Kinder und die Vorgeschichte des Monsieur Lazhar. Dem Regisseur Philippe Falardeau gelingt ein berührendes Drama, welches anstelle von vielen Settings auf Authentizität und gute SchauspielerInnen setzt. Vor allem überzeugt die Natürlichkeit der KinderdarstellerInnen. Ein sehr empfehlenswerter Film, der ohne Kitsch mitten ins Herz geht.

Monsieur Lazhar. Canada 2011. Regie: Philippe Falardeau. DarstellerInnen: Mohamed Saïd Fellag, Sophie Nélisse, Émilien Néron u.a. Kinostart: 12. April.

Die Entstehung von Iron Sky ist fast genauso verrückt wie seine Story, denn ohne das Internet wäre der Film nicht möglich gewesen. Zum Beispiel sparten die ProduzentInnen Kosten durch das so genannte Crowd Funding. Dabei leisten Fans vorab finanzielle und kreative Unterstützung. Weniger geizig ging es dagegen bei der Auswahl derHauptdarstellerInnen zu. Vor allem Julia Dietze und Götz Otto überzeugen die ZuschauerInnen. Gelungene Computeranimationen sorgen schließlich für die genretypischen Effekte, sodass man dem Film den No-Budget-Charakter kaum noch ansieht.

Iron Sky. Finnland, Deutschland, Australien 2012. Regie: Timo Vuorensola. DarstellerInnen: Julia Dietze, Götz Otto, Christopher Kirby u.a. Kinostart: 5. April.

Die Frauen sind verzweifelt. Nicht wenige haben im Bürgerkrieg ihre Ehemänner und Söhne verloren und wollen es nicht akzeptieren, dass die Gewalt wieder ausbricht und Leben fordert. »Glaubt ihr, wir sind nur hier, um euch zu betrauern?«, ruft Amal, eine der Hauptfiguren, die von der Regisseurin Nadine Labaki selbst gespielt wird. Die Frauen greifen zu kreativen Mitteln, um einen Krieg im Dorf abzuwenden. Warum nicht eine Truppe von ukrainischen Prostituierten ins Dorf holen, um die Männer abzulenken? Vielleicht hilft auch ein wenig Haschisch, heimlich eingeflößt, gegen die Dummheit der Männer?

Als der Nachfolger von Labakis Regie-Debut Caramel in die Kinos kam, war er für Wochen ausverkauft. Das mag daran liegen, dass es im vom Bürgerkrieg geschundenen Libanon keine Selbstverständlichkeit ist, dass das Thema der Religionskonflikte in einem Kinofilm verarbeitet wird, und schon gar nicht auf solch humorvolle Weise. Der Film rutscht aber nicht in die komödiantische Harmlosigkeit ab, sondern bietet neben Stoff zum Lachen und Schmunzeln auch genügend Anregung zum Nachdenken.

Labaki, Libanons bekannteste Regisseurin, möchte in ihrem Film die Sicht der Frauen darstellen. Sie versuchen, den mit wenig Gnade dargestellten Männern Vernunft beizubringen. Diese - zugegeben etwas vereinfachende - Sichtweise ist verständlich, denn in einer so von Männern und Kriegen dominierten Geschichte wie der des Libanon fanden die Frauen bislang viel zu selten Gehör. Außerdem ist dem Film durchgehend anzumerken, wie liebevoll Labaki trotz allem auf ihr Land und ihre Landsleute blickt.

Wer weiß, wohin? Ägypten/Italien/Frankreich/Libanon 2011. Regie: Nadine Labaki, DarstellerInnen: Nadine Labaki, Julien Farhat, Layla Hakim u.a., Kinostart: 22. März.

Im Stil eines persischen Märchens inszenierten Marjane Satrapi und Vincent Paronnaud ihren zweiten gemeinsamen Film. Das Leben von Satrapis Großonkel lieferte den Stoff für die Geschichte. Mit Huhn mit Pflaumen bringt die Comiczeichnerin Teil zwei ihrer geplanten Trilogie über das Leben ihrer Familie im Teheran der 20. Jahrhunderts auf die Leinwand. Der Vorgänger Persepolis, ein Animationsfilm für Erwachsene, wurde 2007 mit vielen Nominierungen international gefeiert. Obwohl auch Huhn mit Pflaumen auf einer Graphic Novel Satrapis basiert, drehte das RegisseurInnenduo diesmal mit SchauspielerInnen.

Satrapi und Paronnaud schaffen eine mal melodramatische oder melancholische, mal rasant komische Märchenwelt, die viel von der spielerischen Phantasie eines Comics hat. Wunderbar eklektisch verweben sie unterschiedliche filmische Stile und öffnen so Fenster in verschiedene Welten und Zeiten. Durch die Erzählung trägt die Musik Olivier Bernets, die an Yann Tiersens Kompositionen zu Die fabelhafte Welt der Amélie erinnert.

Die RegisseurInnen nutzen die Ausflüge in die Zukunft und Vergangenheit der Figuren ausgiebig, um die ZuschauerInnen zu amüsieren. Was tun mit dem rotzfrechen Söhnchen, dass den Deal mit dem Stradivari-Verkäufer zu verderben droht? Opium erscheint als das beste Beruhigungsmittel für kleine Nervensägen. Und natürlich ist es ironischerweise ausgerechnet der Bengel, der durch seine Gebete den Vater vorm Sterben bewahrt - beziehungsweise ihn daran hindert. Dass er später in der Plastikhölle eines amerikanischen Unterschichtenklischeelebens mit einer fetten Teenage-Mum als Tochter enden wird, verrät eine Vorblende in dessen Erwachsenenleben. Diese Entwicklung überrascht nicht - aber amüsiert. Ernster sind dagegen die Erinnerungen Nasser Alis an sein Leben und seine Liebe. Schon in der Schule bestraft ihn der Lehrer für seinen Eigensinn, während sein Bruder immer als vorbildlich gilt. Seine große Liebe Irane darf er nicht heiraten - und spielt daraufhin auf seiner Geige so schön, dass ihn die ganze Welt lieben muss. So hat er sich mit der Enttäuschung seines Lebens arrangiert. Aber was, wenn sie sich nach Jahrzehnten wieder begegnen?

Huhn mit Pflaumen. Frankreich/Deutschland/Belgien 2011. Regie: Margane Satrapi, Vincent Paronnaud. DarstellerInnen: Mathieu Amalric, Golshifteh Farahani u.a. Kinostart: 5. Januar 2012.

Foto © 2011 Prokino Filmverleih GmbH

Die Tochter-Vater-Beziehung ist das zentrale Thema der Tragikomödie Einer wie Bruno. Die 13-jährige Radost übernimmt die Rolle der Erziehungsberechtigten, weil ihr Vater Bruno wegen seiner geistigen Behinderung auf dem Stand eines Kleinkindes ist. Sie kocht, organisiert Ausflüge und plant den Alltag. An der Fassade eines funktionierenden Familienlebens haben beide lange gearbeitet. Sie täuschen die Betreuerin vom Jugendamt, damit sie nicht getrennt werden. Bruno spielt ihr gegenüber den strengen Vater, die Tochter ist in der Schule ohnehin eine der Besten und bedarf wenig Unterstützung. Radosts KlassenkameradInnen wissen nichts von ihrer schwierigen Situation. Mit Einsetzen der Pubertät bei Radost beginnt vor allem für Vater Bruno ein schmerzhafter Trennungsprozess, denn seine Tochter fordert nun mehr Freiheiten. Bruno kann das veränderte Verhalten seiner Tochter nicht verstehen und Radost ist von ihrem infantilen Vater nur noch genervt.

Christian Ulmen als Bruno und die erst 15-jährige Lola Dockhorn als Radost spielen ihre Auseinandersetzungen mit einer bedrückenden Intensität. Besonders der sonst als Comedian bekannte Christian Ulmen glänzt in seiner bisher wohl anspruchvollsten Rolle als geistig behinderter Vater.